Art decó

Coronamiento art decó del Edificio Chrysler en Nueva York, construido 1928–1930
Ayuntamiento de Buffalo en Nueva York, pieza maestra del Art Decó americano
Escaleras en rotonda en estilo art decó del Burkbank City Hall
Ayuntamiento de Asheville, ejemplo de arquitectura art decó
El Art decó fue un movimiento de diseño popular a partir de 1920 hasta 1939 (cuya influencia se extiende hasta la década de 1950 en algunos países), afectando a las artes decorativas tales como arquitectura, diseño interior, y diseño gráfico e industrial, también a las artes visuales tales como la moda, pintura, grabado, escultura, y cinematografía.
Después de la Exposición Universal de 1900 de París, varios artistas franceses (como Hector Guimard, Eugène Grasset, Raoul Lachenal, Paul Follot, Maurice Dufrene, y Emile Decour) formaron un colectivo formal dedicado a las artes decorativas de vanguardia. En 1925 organizan la 'Exposition Internationale des Arts Décoratifs et Industriels Modernes' en París, estos artistas se llamaron a sí mismos los modernos; en realidad, el término Art Decó fue acuñado en la retrospectiva titulada "Les Annés 25" llevada a cabo en París en el Musée des Arts Décoratifs del 3 de marzo al 16 de mayo de 1966[1], en francés el término se escribe Art Déco y en inglés Deco.

Morfología y tecnología
Este movimiento es, en un sentido, una amalgama de muchos estilos y movimientos diversos del temprano siglo XX, y a diferencia del Art Nouveau se inspira en las Primeras Vanguardias. Las influencias provienen del Constructivismo, Cubismo, Futurismo, del propio Art Nouveau del que evoluciona, y también del estilo racionalista de la escuela Bauhaus. Los progresivos descubrimientos arqueológicos en el Antiguo Egipto marcaron asimismo su impronta en ciertas líneas duras y la solidez de las formas del Art Decó, afín, a la monumentalidad y elementos de fuerte presencia en sus composiciones.
Como estilo de la edad de la máquina utilizó las innovaciones de los tiempos para sus formas: las líneas aerodinámicas producto de la aviación moderna, iluminación eléctrica, la radio, el revestimiento marino y los rascacielos. Estas influencias del diseño fueron expresadas en formas fraccionadas, cristalinas, con presencia de bloques cubistas o rectángulos y el uso de la simetría. El color se nutre de las experiencias del Fauvismo. Trapezoides, facetamientos, zigzags; y una importante geometrización de las formas son comunes al Decó.
Correspondiendo a sus influencias maquinistas, el Decó se caracteriza también por los materiales que prefiere y usa, tales como aluminio, acero inoxidable, laca, madera embutida, piel de tiburón (shagreen), y piel de cebra. El uso de tipografía en negrilla, sans-serif o palo seco, el facetado y la línea recta o quebrada o greca (opuesto a las curvas sinuosas y naturalistas del Art Nouveau), los patrones del galón (chevrón), y el adorno en forma de sunburst son típicos del Art Decó. Ciertos patrones de ornamento se han visto en aplicaciones bien disímiles desde diseño de zapatos para señoras, a parrillas de radiadores, diseño de interiores para teatros, y rascacielos como el Chrysler Building.
El Decó alcanzó su apogeo en los años 1920. Aunque muchos movimientos del diseño tienen raíces o intenciones políticas o filosóficas, el Art Decó era casi puramente decorativo, por lo que se lo considera un estilo burgués. A pesar del eclecticismo de sus influencias formales y estilísticas, el Decó es sólido y posee una clara identidad propia. No se trata de un historicismo ni de un anacronismo; es fiel a su época y deja entrever la noción futurista de la Revolución Industrial. Su significación gira en torno al progreso, el ordenamiento, la ciudad y lo urbano, la maquinaria. Elegante, funcional, y modernista, el Art Decó fue un avance frente al Art Noveau, esta vez, exitoso en generar un nuevo repertorio de formas acordes a la problemática e imaginería de su tiempo.

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cadaver exquisito

Cadáver exquisito es una técnica por medio de la cual se ensamblan colectivamente un conjunto de palabras o imágenes; el resultado es conocido como un cadáver exquisito o cadavre exquis en francés. Es una técnica usada por los surrealistas en 1925, y se basa en un viejo juego de mesa llamado "consecuencias" en el cual los jugadores escribían por turno en una hoja de papel, la doblaban para cubrir parte de la escritura, y después la pasaban al siguiente jugador para otra colaboración.
El cadáver exquisito se juega entre un grupo de personas que escriben o dibujan una composición en secuencia. Cada persona sólo puede ver el final de lo que escribió el jugador anterior. El nombre se deriva de una frase que surgió cuando fue jugado por primera vez en francés: « Le cadavre - exquis - boira - le vin - nouveau » (El cadáver exquisito beberá el vino nuevo). En resumidas cuentas se combinan cosas de una idea agregando elementos que pueden o no pertenecer a la realidad. Los teóricos y asiduos al juego (en un principio, Robert Desnos, Paul Éluard, André Bretón y Tristan Tzara) sostenían que la creación, en especial la poética, debe ser anónima y grupal, intuitiva, espontánea, lúdica y en lo posible automática. De hecho, muchos de estos ejercicios se llevaron a cabo bajo la influencia de sustancias que inducían estados de semiinconsciencia o durante experiencias hipnóticas.

Constructivismo

Movimiento artístico de vanguardia fundado en Rusia. Dicho término lo utilizó por primera vez en 1913 el critico N. Punin a propósito de los relieves de Tatlin. Según A. Gan, el movimiento como tal "surgió en 1920 en el marco de los pintores de izquierdas y de los ideólogos de la acción de masas". En dicho marco se sitúa el Manifiesto realista de N. Gabo y A. Pevsner y las tesis productivistas enunciadas por Vesnin, Popova, Ekster, Rodchenko y Stephsnova en el catalogo de la muestra "5x5=25". En gran parte, los presupuestos figurativos del constructivismo eran análogos a los de movimientos contemporáneos como el cubismo, el dadaísmo y, en particular, el futurismo. Al igual que este último, el constructivismo manifestaba su rechazo al arte burgués y descubría el proyecto de un nuevo lenguaje en las "propuestas" de la tecnología y la mecánica industriales. Sin embargo, la peculiar situación sociopolítica de la época caracterizó y distinguió el constructivismo. Características:
· La obra de arte está en comunicación con el espacio que la circunda y penetra, cuya estructura invisible se materializa en ella.
· Se abre (la obra) por todas partes hacia el espacio y consta de elementos, frecuentemente transparentes, de formas geométricas, lineales y planas
· Se valora la simultaneidad del espacio, el tiempo y la luz.

El Neoplaticismo:

Corriente artística promulgada por Piet Mondrian en 1917 que proponía despojar al arte de todo elemento accesorio en un intento de llegar a la esencia a través de un lenguaje plástico objetivo y, como consecuencia, universal. Junto con Theo van Doesburg fundó la revista De Stijl, principal órgano de difusión del movimiento, en cuyo primer número apareció publicado el manifiesto neoplasticista. Las teorías de Mondrian, que tienen su origen en las obras cubistas de Georges Braque y Picasso y en la teosofía, reivindican un proceso de abstracción progresiva en virtud del cual las formas se irían reduciendo a líneas rectas horizontales y verticales, y los colores al negro, el blanco, el gris y los tres primarios. Entre sus principales representantes se encontraban, además de Van Doesburg, el pintor Wilmos Huszár, el escultor Georges Vantongerloo y los arquitectos Jacobus Johannes Pieter Oud y Gerrit Thomas Rietvel, entre otros. El excesivo rigor de las propuestas de Mondrian provocó violentas críticas tanto dentro como fuera de su círculo de adeptos. No obstante, el neoplasticismo está considerado, junto con el suprematismo de Maliévich, el origen de la abstracción geométrica.
Características:
· Se elimina todo lo superfluo hasta que prevalece sólo lo elemental.
· Formas geométricas regulares y con ángulos rectos
· Uso de pocos colores: los puros (amarillo, rojo, azul) , y los neutros (blanco y negro)
· Nunca se recurre a la simetría
· Aunque hay un marcado sentido del equilibrio logrado por la compensación de las formas y los colores.
· Exclusión de lo individual y del objeto (limitado temporal y localmente)
· Actuación por medios plásticos "puros" (colores y líneas) con los que se pretende mayor claridad y precisión.

El Suprematismo

La tendencia hacia la abstracción inaugurada por el Cubismo habría de extenderse y agudizarse rápidamente en Europa como lo demuestra el surgimiento de tres movimientos más o menos contemporáneos, el Suprematismo, De Stijl y el Constructivismo, los cuales llevan a extremos no muy diferentes entre sí la reacción contra la pintura naturalista llevada a cabo por prácticamente todos los estilos modernos. El Suprematismo fue lanzado en 1913 en Rusia por Kasimir Malevich, quien sostenía que la pintura debe ser exclusivamente el resultado de los elementos geométricos, rectángulo, triángulo, círculo y cruz, para reflejar, no sólo la esencia material del mundo hecho por el hombre, sino también su anhelo de acercarse al misterio inexplicable del universo. Para Malevich, además, el arte no tiene por que ser útil socialmente, debiendo el artista mantener una independencia intelectual que le permita concentrarse en la creación. Su pintura más famosa, Composición Suprematista: Blanco sobre Blanco (la cual presenta un cuadrado blanco sobre otro del mismo color) es considerada como una lógica conclusión de sus propuestas.

Caracteristicas:
· Permite captar formas y colores pero no evoca asociaciones ni sentimientos.
· Se pretende expresar de una manera mística estados puros de conciencia o de inconsciencia no alterados por pensamientos reales.
· Supremacía absoluta de la sensibilidad plástica pura en las artes figurativas.
· Simplicidad de las formas: hasta llegar al cuadro como único elemento geométrico.
· Uso restringido del color: se llega al uso exclusivo del blanco y el negro porque excitaban la emoción.
· El rojo es considerado el color por excelencia.
· Quiere transmitir la idea de que la realidad es espacio informe (blanco) y todas las diferenciaciones nominales y funcionales son una ilusión humana.

arte abstractoArte Abstracto: Arte que no imita ni representa directamente la realidad exterior, tanto si el artista no se inspira en la realidad como

Arte Abstracto: Arte que no imita ni representa directamente la realidad exterior, tanto si el artista no se inspira en la realidad como si el tema no puede descifrarse. Se basa en la idea de que el color y la forma tienen su propio valor artístico.

De Stijl o Die Stijl ("El Estilo") era un movimiento y una revista formado en Holanda en 1917.

Estaban profundamente comprometidos con el clima espiritual e intelectual de su tiempo y deseaban "expresar la consciencia general de su época". De Stijl buscaba las leyes universales que gobiernan la realidad visible, pero que se encuentran escondidas por las apariencias externas de las cosas. La teoría científica, la producción mecánica y los ritmos de la ciudad moderna se formaron a partir de estas leyes universales. En el año 1924, Mondrian dejó de contribuir con sus artículos en el periódico después de que Van Doesburg desarrolló su teoría del elementarismo, la cual declaraba a la diagonal como un principio compositivo más dinámico que la construcción horizontal y vertical. La búsqueda de un arte puro de relaciones visuales iniciado en Holanda y en Rusia, había permanecido con una preocupación importante en las disciplinas visuales durante el siglo XX. Kasimir Malevich y Mondrian utilizaron líneas, formas y colores puros para crear un universo de relaciones puras ordenadas armoniosamente. Esto fue visto como un prototipo quimérico para un nuevo orden mundial. Mondrian escribió que el arte "desaparecería en la misma proporción que la vida gana equilibrio". La tecnología y la forma visual se convirtieron en el objetivo de quienes se empeñaron en lograr una arquitectura y un diseño gráfico diferentes.
Obtenido de "http://es.wikipedia.org/wiki/De_Stijl"

fue el precursor de la bauhaus

Deutsher werkbund
Primera escuelta de diseño industrial en Alemania

DWB era una asociación mixta de arquitectos , artista e industriales, fundafa en 1907 en Munich, por Hermannn Muthesius , Fue una organización, importante en la histria . Fue una organización importante en la historia del modernismo aqquitecto

Era una acción sufragada por el estado para integrar los oficios tradicionales con las tecnias industrial
Este movimiento fue precursor de la que seria la BAUHAUS El Werkbund más que un movimiento artístico era una acción sufragada por el estado para integrar los oficios tradicionales con las técnicas industriales de producción en masa a fin de poner a Alemania en un lugar competitivo con otras potencias tales como Gran Bretaña o los Estados Unidos. Su lema era "Vom Sofakissen zum Städtebau" (desde los cojines de los sofás a la construcción de ciudades) indica su amplio abanico de intereses.
Buscaba una nueva expresión artística en la era de la máquina, con una componente importante de teoría, como todos los movimientos de principios del siglo XX. Entre estos, tres claves hacen destacar estéticamente a este movimiento: por un lado separar la estética de la calidad material, frente a las ideas anteriores que las vinculaban; por otro lado, imponer la normalización del formato DIN; y finalmente, la adopción de la forma abstracta como base estética del diseño industrial, sustituyendo al ornamento.
Lo que antes se veía como una restricción es ahora una virtud, especialmente a partir de 1914, cuando la necesidad militar hace que cada vez más la producción industrial siga estos estándares. La Bauhaus tomaría esta base, permitiendo el nacimiento de la fabricación modular. Se pensó en la posibilidad de fabricar edificios en serie.
Existió en una primera etapa hasta 1934, sufriendo una pausa en sus actividades en 1918, por los costes en la industria debido a la primera guerra mundial, y se volvió a reestablecer después de la segunda guerra mundial en 1950.
Otros arquitectos afiliados al proyecto incluyen a Heinrich Tessenow y al belga Henry van de Velde. El Werkbund comisionó a van de Velde la construcción de un teatro para la exhibición de 1914 en Colonia, que fue un momento álgido de su historia antes de la primera guerra mundial. Este teatro fue su mejor trabajo, pero que solo estuvo en pie un año al ser destruido en la guerra. Van de Velde tuvo de dejar Alemania por ser ciudadano de un país enemigo. Hay que destacar que, durante la exhibición de 1914 en Colonia, se evidenció la clara disidencia entre el sector más individualista (encabezado por van de Velde) y el sector más funcionalista (encabezado por Muthesius).
Walter Gropius decidió reconducir las artes a la arquitectura fundando la Bauhaus en Weimar en 1919.
Hermann Muthesius se inspiró en el movimiento inglés "Artes y Oficios" preconizado por William Morris. Aunque tras una conferencia que generó gran polémica por condenar el historicismo del arte prusiano, se vio impelido a fundarlo sobre la base de sus viajes a Inglaterra donde conoció y se vio ampliamente influido por William Morris y su movimiento, el Arts & Crafts. Se distanciaba de este al admitir la utilización de la máquina y del proceso industrial. Esta asociación se dividía en dos partes: una encargada de la producción del diseño (producción mecánica en masa) y en la preservación de la expresión artística industrial.
La Werkbund manifestaba un interés tan amplio por la industria que se confió a Peter Behrens la tarea de proyectar publicaciones, logotipos, lámparas, escaleras eléctricas, fábricas, conjuntos de habitaciones para obreros, tiendas y publicidad para la AEG. La Werkbund trabajaba ya en el dominio de diseño industrial. Se veían en las páginas de los anuarios de la Werkbund reproducciones de fábricas, de muebles, de lámparas, de locomotoras del Maffeiwerke de Múnich, ferrocarriles eléctricos, buques, reproducciones del avión de Rumper, puentes de hormigón armado, puentes colgantes de acero, etc.
El Deutscher Werkbund se extendió pronto a Suiza, donde se fundó el llamado Swiss Werkbund, movimiento que publicó la Revue Mensuell de l’Ouvre, con sede en Lausana.

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Modernismo
Modernismo es el término con el que se designa a una corriente de renovación artística desarrollada a finales del siglo XIX y principios del XX. Según los distintos países, recibió diversas denominaciones: Art Nouveau (en Bélgica y Francia), Modern Style (en Inglaterra), Sezession (Austria), Jugendstil (en Alemania y países nórdicos), Liberty o Floreale (en Italia), y Modernisme o Estil modernista (en Cataluña).
Desde el punto de vista sociológico, el art nouveau es un fenómeno nuevo, imponente y complejo que debería satisfacer la que se considera “necesidad de arte” de toda la comunidad. Se produce en todos los países europeos y americanos que han alcanzado un cierto grado de desarrollo industrial; establece en ellos un régimen cultural y de costumbres prácticamente uniforme, a pesar de las leves variantes locales, y de carácter explícitamente moderno y cosmopolita. Es un fenómeno típicamente urbano que nace e las capitales y se difunde por las provincias. Afecta a todas las disciplinas de los usos y costumbres sociales: el urbanismo de barrios enteros, la construcción en todas sus tipologías, el equipamiento urbano y domestico, el arte figurativo y decorativo, el mobiliarios, el vestuario, la ornamentación personal y el espectáculo.
Dada la forma en que se difunde, es una autentica moda, en ese sentido y con toda la importancia (intuida y explicada ya por Baudalaire) que la moda asume en una sociedad industrial: incluso económicamente, como factor la obsolescencia y de recambio de los productos. Es el gusto de la burguesía moderna, que carece de prejuicios: es entusiasta del progreso industrial y lo considera un privilegio intelectual suyo que se corresponde con otras responsabilidades sociales. En efecto penetra en todos los estratos sociedad burguesa; la alta burguesía ostenta los arquetipos, realizados por artistas y artesanos de primera fila, con materiales nobles, la media y péquela burguesía consume productos del mismo tipo, perno banalizados por los procedimientos repetitivos de la producción industrial y por la inferior calidad de los materiales, es valorado como estilo moderno es decir como moda. Dado que la industria reduce los tiempos de producción, hay que reducir también los de consumo y cambio. La moda es el factor psicológico que provoca el interés por un nuevo tipo de producto y la decadencia del viejo. El art nouveau como estilo moderno, se corresponde así a aquello que la historia económica de la civilización industrial se llama el fetichismo de la mercancía.
Sin importar el tiempo tiene características permanentes:
1. Su temática naturista
2. La utilización de motivos icónicos y estilísticos e incluso tipológicos, derivados del arte japonés
3. Su morfología arabescos lineales y cromáticos: preferencia por los ritmos determinados por la curva y por sus variantes (espiral, voluta, etc.) y el color, por las tintas frías, suavizadas transparentes asonantes que aparecen en zonas planas o bien veteadas e irisadas, difuminadas.
4. Su intolerancia por la proporción y el equilibrio simétrico y la búsqueda de ritmos musicales con marcados desarrollos en altura o en anchura y procesos, en general, ondulados y sinuosos.
5. El evidente y constante propósito de comunicar por empatía de un sentido de agilidad , elástica, ligereza, juventud y optimismo

El que los temas recurrentes sean la libertad de expresión, la creación, la creatividad, la poesía, la juventud, la primavera y las flores, se explica por el rápido ascenso de la tecnología industrial: se intuyen sus futuras posibilidades prácticamente ilimitadas, se tiene la impresión de que se esta en los albores de una nueva era.
Las maquinas han sido perfeccionadas para poder realizar con aproximadamente proyectos hechos por artistas y los empresarios recurren a los artistas también por al industria no dispone de una metodología y de un aparato de proyección propios.
Este estilo consiste añadir ornamentación a un objeto útil pero tiene a ser parte de la conformación funcional o instrumental del objeto. La funcionalidad se identifica con el ornamento (lo bello).

"Arts and Crafts" (Artes y Oficios)

Reacción contra el estilo victoriano.El movimiento Arts and Crafts surgió en las últimas décadas del siglo XIX como reacción contra el primer estilo industrial, que se había desarrollado en Inglaterra a lo largo de esa centuria. El llamado estilo victoriano. Se dice que cuando los visitantes de la Feria Universal de 1851 llegaban al Crystal Palace de Londres, además de asombrarse por los avances técnicos, se sorprendían por el mal gusto de todo lo que se fabricaba en masa. De manera que la idea de progreso industrial comenzó a mezclarse con la intuición de que era necesaria una reacción que devolviera a los objetos de la vida cotidiana una cierta dimensión estética, que acompañase a las funciones naturales para las que eran fabricados. Esa reacción se denominó Arts and Crafts, Artes y Oficios, ya que pretendió elevar la dignidad social y estética del diseño y de todas las artes aplicadas, integrándolas en un entorno arquitectónico armonioso y bello.Primeras propuestas.Aunque la mayor parte de los ciudadanos ingleses del XIX permanecían apáticos o satisfechos con el nivel estético alcanzado por su poderosa industria, las reacciones al recargado estilo dominante en la época se iniciaron a finales de la década de 1840. A este respecto hay que destacar la obra de Henry Cole, que editó el Journal of Design and Manufactures desde 1847.Dos años después, en 1849, apareció la obra de John Ruskin, Las siete lámparas de la arquitectura, una de las obras fundamentales de la crítica de arte del siglo XIX, que ya en 1843 había comenzado a publicar una serie sobre Pintores contemporáneos, y que en 1851-53 publicaría Las piedras de Venecia. Desde el punto de vista de la acción el Arts & Crafts experimentó un empuje importante en 1861 cuando William Morris fundó la empresa Morris, Marshall, Faulkner and Company, conocida generalmente como Morris and Company.En 1890 Morris fundó la Kelmscott Press, una imprenta artesanal de la que salieron tiradas reducidas de algunos de los libros impresos más cuidadosamente producidos de toda la historia, y que fue capaz de ejercer una poderosa influencia sobre las grandes editoriales comerciales durante varias décadas.Principios del Arts & Crafts Entre las ideas más características del Arts and Crafts se encuentran principios filosóficos, éticos y políticos, tanto como estéticos. Destacamos los más importantes:
Rechazo de la separación entre el arte y la artesanía. El diseño de los objetos útiles es considerado una necesidad funcional y moral.
Rechazo de los métodos industriales de trabajo, que separan al trabajador de la obra que realiza, fragmentado sus tareas.
Propuesta de un regreso al medievalismo, tanto en la arquitectura (con el neogótico) como en las artes aplicadas.
Propuesta de la arquitectura como centro de todas las actividades de diseño. Una idea que sería recogida por el racionalismo de principios del siglo XX.
Propuesta de agrupación de los artesanos en guildas y talleres, siguiendo el modelo medieval de trabajo colectivo.
Propuesta del trabajo bien hecho, bien acabado y satisfactorio para el artista y para el cliente.

DISEÑADOR
Busca solucionar necesidades del hombre facilitándole la vida , encontrándole soluciones a problemas.

Su producion es en masa,Su trabajo lleva un proceso donde este realiza bocetos estudiando al usuario y así realizando puevas y así llegar al objeto final.

“El acto intuitivo de diseñar podría llamarse creatividad como acto de creación o innovación si el objeto no existe, o es una modificación de lo existente inspiración abstracción, síntesis, ordenación y transformación.”[1]

Producto debe tener una aplicación práctica.

Debe tener en cuanta la función y la estética.

El diseñador debe relaciona requisitos técnicos, sociales y económicos, necesidades biológicas, con efectos psicológicos y materiales, forma, color, volumen y espacio para poder llegar así al producto.
[1] www.wikipedia.com

ARTISTA
Es considerado como la persona que hace o produce una obra de arte.

Obras

Creador obras únicas.

El trabajo de un artista es considerado como una forma de expresión de sentimientos y de percepciones , donde lo económico pasa a un segundo plano.

Reservados su trabajo se exibe en galerías.

Sus obras muchas veces no tienen sustentación alguna, ya que es espontaneo .

Tiene la habilidad para expresar sus sentimientos y otras cosas en su obra

ARTESANO

Ve el arte como el conjunto de técnicas y practicas donde este se halla especializado .el trabajo de un artesano puede tener un significado como el del artista pero el parte de la practica de unas técnicas especificas.

El artesano trabaja

Trabaja obras múltiples

Artesanías en varios países es considerado pequeño empresario ya que en la mayoría de los casos el las hace y les da un valor y el mismo las comercia.

“Los artesanos se caracterizan por usar materiales típicos de su zona de origen para fabricar sus productos”[1]

Exiben su trabajo en lugares como pasajes, ferias entre otros.

Realizan trabajos de Orfebrería, Cerámica, Cuero, Plástica, Herrería Artística y otra cantidad de trabajos
Es considerado diseñador ya que en su trabajo hay diseño
[1] www.wikipedia.com